Diciembre 2018

"Poor Little Fool", (1958), Ricky Nelson, album Ricky Nelson.

Último mes del 2018 antes de nuestro ranking anual del Tocadiscos 2018 y empezamos con al década de los 50s con un team sugerido por uno de nuestros mas fieles seguidores Manuel Alvarado, con el héroe juvenil de los quinceañeros de los 50s Ricky Nelson y un tema de segundo album que lleva su nombre, "Poor Little Fool" o pobre "Pobre tonto" de 1958.

Ricky Nelson regresa al Tocadiscos luego de haber estado con nosotros en el 2014 con su tema "I'll make Believe"
"Poor Little Fool" es una canción de rock and roll escrita por Sharon Sheeley y grabada por primera vez por Ricky Nelson en 1958. Sharon Sheeley escribió la canción cuando tenía quince años. Luego de haber conocido a Elvis Presley, éste la animó a escribir canciones, para ello Sharon Sheeley se basó en una decepción amorosa de una relación de corta duración con integrante de dúo de canto popular. Tras este éxito Sharon Sheeley trabajó con Eddie Cochran otro cantante del mismo estilo de los cantantes de rock and roll engominados de los 50s.


Ricky Nelson comenzó versionando una canción de Fats Domino : I'm Walkin'. en 1957 y rápidamente se posicionó como una amenaza para el reynado de Elvis Presley.

Y no solo eso también apareció en algunas películas no menos famosas como la célebre "Río Bravo" de Howard Hawks al lado de nada menos John Wayne y Dean Martin.

A finales de los años 70s, su vida se volvió un caos se divorció de su esposa y esta se llevó a sus cuatro hijos. Ya no grababa más canciones, y cuando cantaba en vivo ya no era lo mismo. En 1985, se unió en una gira de nostalgia por el rock en Inglaterra; éste fue su mayor éxito después de que su carrera artística prácticamente estaba por los suelos. Trató de realizar la misma gira en el sur de los Estados Unidos. Mientras se arreglaban los últimos detalles para iniciar la gira, murió a la edad de 45 años cuando se estrelló el avión en que volaba rumbo a Dallas, Texas para celebrar el año nuevo. La última canción que interpretó antes de su muerte fue «Rave On» de Buddy Holly

"Girl ", (1965), The Beatles, album Rubber Soul

Década de los 60s con los pelucones de Liverpool The Beatles y el tema simplemente "Girl" de su Sexto Album Rubber Soul que fue escrito y compuesto casi en totalidad por John Lennon.

En el tema "Girl" John Lennon recibe la ayuda de Paul MCcartney, en el tema John Lennon se inspira de una chica de ensueño, su esposa de la época, Cynthia Powell la madre de Julian Lennon, con quien se conoció en un curso de caligrafía, en el Art College de Liverpool, la historia es terrible por que ambos descubrieron que Cynthia Powell estaba encinta de Julian para luego divorciarse, incluso Paul MCcartney dedica la canción "Hey Jude" a Julián para apoyarlo en esos momentos.


No cabe duda que Cynthia Powell fue muy influyente en la carrera de los beatles durante este periodo Ante-Yoko, inclusive el tema sobre la chica de ensueño "Girl" se pensó que estaba inspirada en ella.

Como para bromear Paul MCcartney y George Harrison en los coros repiten constantemente "tit" (Teta) como voz de fondo del coro es casi imperceptible o se piensa que es inocente.

No es un secreto que John Lennon estaba casi siempre puesto al cristianismo y este tema en realidad no es la excepción , y la chica de ensueño se puede considerar como el cristianismo haciendo un paralelismo entre esas relaciones un tanto enfermizas donde se pierde la cabeza, y que ha veces tienes que ser torturado para alcanzar el cielo.

En el album se rompe un poco la tematica de temas de los beatles hasta ese momento donde la mayoria de sus temas tratan sobre las chicasn relaciones amorosas, y en este album descubren otro estilo como lo anuncia la primera pista "Nowhere Man" de John Lennon que es uno de los primeros temas que no trata ese tema, incluso el grupo comienza a inspirarse un poco de las letras de Bob Dylan. La instrumentación comienza a extenderse con la introducción de la sitar.

El album Rubber Soul fue aclamado cuando por la critica cuando fue publicado, y logró un gran éxito en ventas, como los 5 album anteriores.
Désormais sûr de sa notoriété universelle, le groupe ne juge pas utile de faire figurer son nom au recto de la pochette.

"I lost a Game", (1974), Cerro Verde, Single 45 RPM

Década de los 70s aunque en ingles con un grupo efímero del rock peruano de los 70ss, el grupo Cerro Verde con un tema de un disco simple de 1974 "I Lost A Game" que tenía como lado B el tema "Play It On".

Grupo que tuvo una muy corta duracion pero se dio el tiempo de grabar dos discos simples.


El grupo estaba conformado por Francesco Savorgnan en las voces y que era hijo del embajador Italiano en el Perú desde 1973 Emilio Savorgnan, y que venia de una aristocratica familia Italiana Los Savorgnan incluso el abuelo de Francesco Savorgnan, tenia el titulo nobiliario de Conde,

Luego estaba también integrado por Ernesto Samamé en el bajo, recordado por haber fundado la banda We all Together con Carlos Guerrero, Saúl Cornejo, Carlos Salom y Manuel Cornejo quien esta en la batería de Cerro Verde y para completar el grupo y el Estadounidense David Levene en la primera guitarra ex integrante del grupo Laghonia, era un excelente guitarrista de esos 1er. guitarra entre el blues y la psicodelia. Algo así como Jimmy Hendrix Experience, Cream, Vanilla Fudge, Spirit o Blues Image, que eran justamente los grupos favoritos del norteamericano David Levene

El tema fue escrito por Francesco Savorgnan y fue republicado por el sello Repsychled en un disco compilatorio del rock peruano llamado “ "Back To Perú Vol 2” que reunía varios grupos peruano de rock entres los 60s y 70s

Los grupos We All Together y Laghonia eran en cierta manera los grupos oficiales de algunos de los integrantes de Cerro Verde Verde y este un buen proyecto de Rock/funk/jazz con muy buenos resultados

"Pride (In The Name of Love)", (1984), album The Unforgettable Fire

Década de los 80s con el grupo irlandés U2 y el tema "Pride (In The Name of Love)" de su cuarto album y probablemente el mas exitoso de su carrera o al menos el que los hizo conocer mundialmente, The Unforgettable Fire.

Hablar de U2 es hablar de uno de los mejore grupos de fines del siglo XX, un grupo muy influyente mas allá de la musica, no por nada despues de la mitad de los años 80s el grupo defiende la causa de los derechos humanos y muchas veces mete en evidencia y promoviendo las actividades Amnistía Internacional, en cada uno de sus conciertos los miembros del grupo son considerados como "embajadores de conciencia" de esta organización desde el 2005


Bono el líder del grupo incluso estuvo en la lista de nominados al premio nobel de la paz en el 2003 y en el 2005. Igualmente considerado el hombre del año en el 2005 por la afamada revista TIME por lucha en favor del África.

U2 se formó en 1976 Bono en las voces y algunas veces en guitarra, The Edge en la guitarra y que de otra parte es uno de los muy buenos guitarristas en el mundo de la musica, ademas de tocar el piano y algunas veces también canta, Adam Clayton en el bajo y Larry Mullen Jr. en la batería.

El tema es un tributo a Martin Luther King Jr y su lucha por los derechos civiles y ciudadanos de los afro americanos,
La canción estaba destinada a se una critica basada en el orgullo de Ronald Reagan por el poder militar de los Estados Unidos, pero el libro Let The Trumpet Sound de Stephen B. Oates que retrasaba la vida de la vida de Martin Luther King, Jr. y una biografía de Malcolm X hicieron que la letra de Bono tenga más apego al tema de los derechos civiles . Las diferentes caras de las campañas de derechos civiles, las violentas y las no violentas.

La canción contiene una referencia errónea a los disparos contra Martin Luther King como "Temprano en la mañana, 4 de abril", cuando en realidad ocurrió después de las 6 p.m. Bono reconoce el error y en las actuaciones en vivo cambia ocasionalmente la letra a "Temprano en la noche"

La caratula del album fue una idea de Edge el castillo olvidado representa el fin de una época la del imperio británico o de los imperios de occidente. Es por eso que el castillo en ruinas de la tapa y que es una obra del artista holandés Anton Corbijn.

"Marilyn's Theme", (1970), Vincent Bell, single 45 RPM Airport Film

Viernes dede instrumentales con el guitarrista Vinnie Bell quien es el intérprete de una de las cortinas musicales preferidas del Tocadiscos el "tema de amor de la pelicula Aeropuerto 1970" esta vez con un tema con "Marilyn's Theme" también aparecido en esa pelicula.

Ambas canciones fueron Publicadas en un 45 teniendo en Lado A "Airport Love Theme" y el Lado B: Marilyn's Theme.


Demás esta escribir el porque del tema, sin duda un homenaje a la Diva del cine quien tuvo su consagración en la década de los 50s y su fallecimiento en 1962, todo saben acerca de su muerte y que esta envuelta situaciones misteriosas y no muy claras, hasta el día de hoy, existen muchas teorías de complot debido según algunos, a sus relaciones con el Presidente de los Estados Unidos John F; Kennedy además de un noviazgo con el Hermano Bobby Kennedy.

Su muerte sin duda a inspirado músicos y cantantes incluso el Grupo Chileno los Prisioneros que normalmente son hostiles al imperialismo y la cultura "Occidental" hicieron una canción tal vez en son de burla u otro punto de vista.

Vincent Gambella (nombre verdadero) o Vincent Bell o Vinnie Bell es un eximio guitarrista de estudio y pionero de los efectos electrónicos en la música pop.

Creador de la "watery" la famosa Guitarra con sonidos acuáticos da ese sonido como se estuviera tocando en el agua, este sonido muy popular en las canciones instrumentales de los años 60s.

Vincent Bell tocó también con Frank Sinatra "New York , New York" y también inventó una serie de modelos de guitarra eléctrica , incluyendo la primera guitarra eléctrica de 12 cuerdas , y el sitar eléctrico, el cual lo uso en éxitos como "Green pandereta " de The Pipers limón, " Band of Gold " de Freda.

"What A Difference A Day Made", (2003), Jamie Cullum, album Twentysomething

Canción de actualidad con un viejo tema de los años 30s, con el prodigio Inglés Jamie Cullum, y "What A Difference A Day Made" de su tercer album Twentysomething.

Es un verdaderamente una delicia escuchar este tema en la ejecución de este tema que es uno de los más populares en el mundo, y que tiene como origen un muy vieja canción en castellano de titulo ""Cuando vuelva a tu lado" escrita por la mexicana María Grever en 1934 y que en un principio fue versionada en ritmo de bolero.


Luego su adaptación en Ingles en manos de Stanley Adams, e interpretada por Harry Roy & his Orchestra. en 1959 le dio un revuelo internacional , convirtiéndose en un tema infaltable en todo repertorio de algunos crooner como Dean Martin, Bobby Darrin, Ben E King, Natalie Cole, Rod Stewart, Barry Manilow entre muchos otros.

En este album Twentysomething Jamie Cullum, revisa varias standares de jazz y canciones exitosas de rock otros ritmos, como la famosa balada rock de Jimi Hendrix, "The Wind Cries Mary", bajo el titulo de "Wind Cries Mary"

La fulgurante carrera de Jamie cullum lo ha llevado a ser convocado para realizar algunos sound tracks de pelicula muy conocidas como "Gran Torrino" donde en colaboración con Kyle Eastwood crearon el tema principal llegando ser nominada como mejor canción original en los "Golden Globe Awards" , la otra pelicula conocida es " El diario de Bridget Jones" con el cover del clásicos "Everlasting love", y "Grace is Gone

El talento de Jamie Cullum que lo ha convertido en uno de los principales referentes del jazz vocal actual, hasta el punto de ser considerado sucesor de Harry Connick Jr es la facilidad de transformación de canciones populares y pop en Jazz como las transformaciones que ha hecho de temas de White Stripes, Kanye West, Pussycat Dolls, Elton John, John Legend, Justin Timberlake, Coldplay y muchos más.

Y empezó su carrera casi por casualidad, a los dieciséis años, tocando en bares, clubes y hoteles de su pueblo natal pero años más tarde se trasladó a la Universidad de Reading, para estudiar cine y literatura inglesa y fue durante esta etapa que comenzó a componer y a tocar su propia música para acompañar los cortometrajes que hacía como parte de su curso

"Earth Angel", (1954), The Penguins, album Single 45 rpm;

década de los 50s con el grupo de Doo-Wop Estadounidense the Penguins, y uno de esos Lado B que sobrepasa el Lado A en disco, "Earth Angel" de 1954.

Tema que a veces es llamado tambien "Earth Angel (Will You Be Mine)", The Penguins o Los pingüinos se formaron un año antes de la grabación de este tema y fue grabado en un garage como una demo.


Los orígenes de la canción se encuentran en múltiples fuentes diferentes, entre ellas las canciones de Jesse Belvin, Patti Page y Hollywood Flames, fue Producida por Dootsie Williams, y fue publicada como su primer disco simple

La autoría fue sujeto de una amarga disputa legal con Williams años más tarde de su publicación.

Los miembros originales de The Penguins fueron Cleveland Duncan, Curtis Williams, Dexter Tisby y Bruce Tate, Duncan y Williams eran ex compañeros de clase en Fremont High School en Los Ángeles, California, y Williams se había convertido en miembro de The Hollywood Flames otro grupo de Doo-Wop en 1953, decidieron formar un nuevo grupo vocal y agregaron a Tisby y Tate. Su estilo de interpretación era en mid tempo y era una mezcla de rhythm and blues y rock and roll. Curtis Williams es el autor de la canción, "Earth Angel", y la había preparado antes con Gaynel Hodge, otro miembro de Hollywood Flames.

Aunque la canción iba a volver a grabarse con la adición de instrumentos adicionales, la versión original se convirtió en un éxito inesperado, superando rápidamente a la otra canción frente a Hey Señorita.
Único éxito de los pingüinos, la canción finalmente vende más de 10 millones de copias. La grabación original de la canción sigue siendo popular durante gran parte de la década de 1950 y ahora se considera una de las principales canciones de doo-wop.

En la película de Robert Zemekis "Back to the Future", Marty McFly acompaña a la banda de Marvin Berry interpretando a Earth Angel (cantada por el actor Harry Waters Jr.) en la guitarra en 1955.

"Mr. Tambourine Man", (1965), Bob Dylan, album Bringing It All Back Home

Década de los 60s con el compôsitor y poeta estadounidense y polémico ganador del Premio nobel de literatura en el 2016 Bob Dylan, con un tema de su quinto album Bringing It All Back Home, "Mr; Tambourine Man"

Algo inédito con este tema es que la versión de los Byrds publicada ese mismo año pero grabada antes de la versión de Bob Dylan, llegaba a las primeros lugares de en los rankings radiales y de ventas, el tema daba nombre incluso al primer album de The Byrds


La diferencia entre ambas versiones es aie la versión de Bob Dylan dura 5:29 y comprende 4 estrofas mientras que la de los Byrds incluye solo hasta la segunda estrofa acortando la duración a 2:30.

Otra cosa el tema aparece dos veces en la famosa lista de la revista Rolling Stone sobre las 500 canciones las grandes de todos los tiempos, la versión de los Byrds en la posición 79 ya la de Bob Dylan en la posición 107

Bob Dylan siempre se caracterizó por hacer canciones que eran arquetipo de las canciones de protesta. Por su sentido humano y poético que hicieron de un joven de 21 años un vocero de su generación y de muchas de sus canciones un himno de la lucha de los derechos cívicos.

Bob Dylan al parecer escribió el tema durante un viaje por la carretera que hizo con algunos amigos de Nueva York a San Francisco. Fumarón mucha marihuana en el camino, y se modo de evadirse era un antídoto contra la desesperación y la frustración que sentían los jóvenes que veían la guerra de vietnam llegar, se puede decir que la letra evoca algunos elementos de los efectos de las drogas de una manera muy abstracta y poética, pero al parecer el que inspiro el tema fue Bruce Langhorne, un guitarrista folk que tocaba muy seguido con una pandereta al mismo tiempo que tocaba la guitarra, incluso algunos riffs del tema están acreditados a Langhorne pero otras influencia sirvieron para el tema como al pelicula de Fellini La strada, ( el tema principal que sirve al Tocadiscos como cortina principal).

Pero muy a pesar de esas alusiones a las drogas y a los efectos de LSD, Dylan nunca negó su uso pero siempre decia que nunca llego a la adicción y que se sirvió de las drogas y las drogas no se servían de él.

"Padre sol, madre sal", (1972), Color Humano, album Color Humano

Década de los 70s y en castellano con el grupo argentino Color humano y con el primer tema que da inicio a su primer album epónimo, "Padre Sol, madre Sal" de 1972.

Esta es una de las mejores bandas del llamado rock nacional argentino con los mejores músicos que venían de uno de los pioneros de ese rock nacional, Almendra, con la ausencia del Luis Alberto Spinetta, Color Humano, se formó bajo la idea de Edelmiro Molinari en voz y guitarra, Rinaldo Rafanelli en bajo y coros y David Lebón en Batería, quien seria luego reemplazado por Oscar Moro cuando Lebón fue a juntarse con Luis Alberto Spinetta para formar Pescado Rabioso.


Además tuvieron como invitados para este album al gran cachorro Rodolfo García en batería y coros en el tema "Silbame, oh cabeza!!! y para "Padre sol, madre sal" tuvieron a la cantante a la primera dama del rock argentino Gabriela quien por ese entonces, era pareja de Edelmiro molinari ella era la segunda voz y los coros.

El tema es un tributo a la madre tierra, evocando a los verdaderos padres de la humanidad, con una letra muy sencilla rodeada de parte acústica y devocional que abría como una invocación. Edelmiro Molinari contribuía y asumia su lado de bluesmen, su guitarra podía sonar ortodoxa, hasta enciclopédica;

"padre sol, madre sal,
he nacido, donde donde estan"

No hace falta mas palabras para expresar el amor por la naturaleza y por la madre tierra que nuestros antepasados amaron tanto.

Y fue y será uno de los discos más extravagantes e incivilizado de todo el rock argentino.

La banda tuvo una actividad regular en esos años siendo uno de los grupos infaltable en cada festival que se organizaba en Buenos Aires, hasta 1973 en un gran concierto que tuvo mucha audiencia marcaría un final parcial del grupo, un año más tarde, previo a este concierto de despedida la banda se disuelve por conflictos internos. Y no de los motivos principales fue que Edelmiro emigró a Los Ángeles.

En 1995, los últimos integrantes de Color Humano (Molinari, Rafanelli y Moro) fueron tentados para reunirse y realizar una presentación en vivo en The Roxy. El show fue grabado y editado a finales de ese año.

otra tentativa de reunión fue hace poco en el 2009, junto a Rinaldo y el baterista Sebastián Peyceré, con la idea de hacer shows y grabar un álbum.

"Lullaby", (1989), The Cure álbum Disintegration

Década de los 80s con la banda Dark de Robert Smith The Cure y el tema "Love Song" de su octavo album Disintegration de 1989.

The cure la banda oscura de los 80s con Robert Smith a la cabeza y sus excéntricos peinados nos trae "Love Song" o "lovesong" esto dependiendo de la publicación en el single o el album es conocida bajo estos dos nombres.


"Love song" aparece en este álbum, que es tal vez el más oscuro de toda la carrera de The Cure después de Pornography y la canción fue un regalo de matrimonio de Robert Smith a novia Mary.Poole, su novia de mucho tiempo y que finalmente sera su esposa en 1988..

Esta canción es el único momento un poco relajado y tranquilo en comparación a las otras canciones, donde todas las letras son sombrías, tristes y depresivas.

En contraste "Lullaby" que literalmente significa, "Canción de cuna" no lo es tanto, muchos fanáticos de The Cure interpretan el tema como una metonimia para la adicción o la depresión y Robert Smith ha explicado de múltiples formas el contenido del tema, que pudiera ser las pesadillas infantiles o el abuso. Tim Pope, colaborador de The Cure en muchos de sus videos musicales, interpreta "Lullaby" como una alegoría del pasado drogadicto del cantante Robert Smith.

La apariencia de Robert Smith, en negro, con los labios pintados a medias y en rojo más las letras depresivas existenciales e introspectivas han hecho que la banda sea catalogada como banda de rock gótico, lo cual Robert Smith siempre rechazó, diciendo que su música no tenia género si bien comenzaron como post punk y en esos momentos tocaba la música de The Cure que le era propia .
para este album the Cure estuvo conformado por Robert Smith en el canto guitarra y teclados, Simon Gallup en el bajo y teclados, Roger O'Donnell teclados, Laurence Tolhurst multiinstrumento, Boris Williams en batería y Porl Thompson en guitarra

Las relaciones del grupo y Laurence Tolhurst se volvía cada vez mas difíciles y complicadas debido a excesivo consumo de alcohol y drogas fue reemplazado por Roger O'Donnell amigo de Boris Williams y tecladista de Psychedelic Furs.

"Take Five", (1959), The Dave Brubeck Quartet , álbum Time Out

Viernes de instrumentales, con un cuarteto Jazz muy conocido y su gran líder y pianista, Dave Brubeck, y el "Take Five".

El tema fue compuesto por el Saxofonista, Paul Desmond , el titulo viene de una expresión inglesa que quiere decir más o menos "tomar una pausa de 5 minutos", o en términos de música "5ta toma" que es el origen del titulo, y esto por que el tema es tocado en un tempo 5/4 un tempo muy raro en el Jazz de los años 50s y esta acompañado del característico sonido del saxófono y que se torna muy contagioso al escucharlo.


El tema tuvo mucho éxito convirtiéndose en un tema emblema del Cuarteto y un standard de Jazz. Una cosa de remarcar sobre esta canción es que el autor Paul Desmond a cedido todos los derechos de autor a la Cruz Roja internacional que según estadísticas del 2012 representa mas de 6 millones de dolares.

Entre las versiones de este tema se cuenta muchas entre las que podemos citar , George Benson, Al Jarreau, Quincy Jones, Chet Atkins, últimamente Stevie Wonder en el 2010.
Otras versiones incluyen letra, como la grabada con letra de Dave Brubeck y su esposa Lola, y cantada por Carmen McRae, otra versión en vivo de Al Jarreau. También ha sido incluida en innumerables películas y bandas sonoras de televisión e incluso sigue recibiendo bastante acogida en las radios especializadas en Jazz.

Cuarteto formado en 1951 por Dave Brubeck en el piano, Bob Bates en bajo doble, Paul Desmond en el saxófono alto y Joe Dodge en batería.

Cuando publicaron este álbum que de otra parte es el mas popular del grupo y un éxito planetario, la disquera tenia muchas dudas sobre su proyección en el publico, pero el resultado fue uno de los álbum mas vendidos en toda la historia del Jazz y "Take five" se convirtió en una canción muy popular al punto de ser considerada en rankings de listas compitiendo con temas musicales de otros géneros..